sábado, 31 de octubre de 2015

MAS DE 200 PELÍCULAS QUE NO DEBERÍAS VER ANTES DE MORIR



MAS DE 200 PELICULAS QUE NO DEBERIAS VER ANTES DE MORIR
ANGEL FERRIS-NURIA FONTANET
256 PAGS
QUARENTENA EDICIONES


Un concienzudo repaso a toda una serie de películas que engloban lo más granado de un tipo de cine únicamente recomendado para cinefagos de pro, ya que el eje central sobre el que pivotan estas cintas es la crudeza de sus imágenes, con lo explícito como bandera y con unos temas a tratar donde ahonda la violencia, el sexo y el contenido más underground alejado de convencionalismo y comercialidad.

Este análisis, prologado en un acercamiento a la figura del considerado padre del cine gore Hershell Gordon Lewis, ha sido fragmentado por sus autores en base a la tipología de películas tratadas con apartados como el gore, el porn torture, el mondo, el slasher o el rape and revenge entre otros y presenta además de una somera presentación de cada título a analizar interesantes párrafos sobre autores, corrientes o polémicas.


Propuesta no apta para aficionados al uso, gustará sin embargo a quien guste de explorar el lado más oscuro, violento, perverso y depravado dentro del universo cinematográfico. Abstenerse estómagos sensibles.

miércoles, 28 de octubre de 2015

49. EL ULTIMO BOY SCOUT

EL ULTIMO BOY SCOUT,  1991
(THE LAST BOY SCOUT) 103´                                                      TONY SCOTT

“No te aguanta nadie, todo el mundo te odia…Ellos se lo pierden…Sonríe cabrón.”
Joe Hallenbeck


Película que mezcla el cine negro propio de los cuarenta con ese detective de vuelta de todo genialmente interpretado por un Bruce Willis en estado de gracia y el cine de acción más cercano aún al estilo de los ochenta que a la recién estrenada década de los noventa. En ese sentido el personaje de Joe Hallenbeck al que da vida el intérprete de la sonrisa de medio lado sería un John McClane totalmente de vuelta de todo, con un compañero al que da vida Damon Wayans al más puro estilo buddy movies que si bien no estorba queda eclipsado por el carisma de Willis y su personaje.

La película se alimenta de un vibrante guión escrito por todo un experto en el género Shane Black (Arma letal, El último gran héroe) repleto de frases seminales para el recuerdo (“La lluvia moja, el cielo es azul…”) y de una estupenda puesta en escena a manos del injustamente denostado Tony Scott que ofrece momentos soberbios como el impresionante prólogo monopolizado por un aguacero infernal. La película contiene tiros, explosiones, mucho humor y una violencia sin filtros que a día de hoy se antoja complicada de ver en la edulcorada industria actual.

Bajo su capa de superficial cinta de acción hallamos una propuesta que mantiene intactas todas las virtudes del momento de su estreno, una estupenda elección a la hora de disfrutar de un gran título de acción.




ME GUSTA: Unos niveles de violencia sin cortapisas.

NO ME GUSTA: Los momentos en los que el personaje de Damon Wayans pretende ser gracioso, no lo logra.

FRASE RESUMEN: Si John McClane les pareció irónico esperen a conocer a Joe Hallenbeck.


lunes, 26 de octubre de 2015

SLIPPING THROUGH MY FINGERS


Llega el momento de la balada romántica, y nadie mejor que Meryl Streep (que como no podía ser de otra manera además de ser una excelente actriz también se maneja estupendamente a la hora de cantar) para interpretar esta bello tema lleno de añoranza y pena que se entremezcla con felicidad ante la inminente boda del personaje de Sophie, una triste dualidad por la marcha de la hija querida en busca de su propia vida a la que la actriz sabe sacar un gran partido. Un muy bello tema de amor. 


OUR LAST SUMMER


Toca el turno del reparto masculino para lucirse musicalmente. Si bien no hablamos de grandes intérpretes vocales (a excepción de un Colin Firth bastante afinado), este trío de actores nos ofrece un tema lleno de melancolía pero también con un punto positivo que le sienta realmente bien y con un estribillo que logra inundar de buen rollo la escena. Además la secuencia es muy importante a la hora de presentar la relación de la protagonista con sus posibles padres, en especial con el personaje de Harry.


HONEY, HONEY


Primer tema que oímos en la película, está interpretado por Amanda Seyfried, quien da muestras que además de talento y belleza posee una voz dulce y melódica. La canción es ligera, divertida y muy pegadiza, confiriéndole además la actriz en su versión para la película un tono picaresco y jovial que le sienta realmente bien. Pieza musical que posiciona desde el inicio el tono que va a adoptar toda la película.


48. MAMMA MIA!

MAMMA MIA!,  2008
(MAMMA MIA!) 108´                                                               PHYLLIDA LLOYD

Veinte años esperando a un padre y aparecen tres.
Rosie


Versión cinematográfica del musical basado a su vez en los temas de la banda sueca ABBA, la cinta de Phyllida Lloyd aprovecha todo el potencial de los escenarios naturales en los que ha sido rodada y su luminosidad para ofrecer un trabajo ligero, fresco, divertido y lleno de buenas canciones de pop, tal es el material de origen con el que trabaja.

Cabe destacar además el nutrido grupo de actores que sin encajar abiertamente en el tipo de cine musical que finalmente es Mamma mia! confieren a la película esa naturalidad y frescura de la que hablábamos, alejándose conscientemente la cinta de la habitual grandiosidad que este género suele tener por lo general a la hora de trasladarlo a la gran pantalla.

Una propuesta veraniega, divertida y sin pretensiones más allá de hacernos pasar un buen rato y hacernos movernos en nuestras butacas. Huelga decir que lo consigue.




ME GUSTA: El puñado de buenas canciones, fuera de los himnos que todos conocemos de ABBA, que nos descubre.

NO ME GUSTA: El personaje al que interpreta Dominic Cooper desentona del conjunto de actores, no se le ve integrado en el reparto coral.

FRASE RESUMEN: Te pondrá de buen humor, eso seguro.


domingo, 25 de octubre de 2015

SIN CITY

Miller plasmó en Sin City todo aquello que más le gustaba dibujar, violencia sin freno, coches, pistolas, y mujeres hermosas. Y Rodríguez reproduce fielmente ese universo en su adaptación cinematográfica. Es por ello que las dos entregas filmadas están plagadas de bellas mujeres, con cierta predilección por el recurso de la femme fatale y con la obsesión por resaltar su sexualidad como un arma a utilizar. Tal es el caso del personaje interpretado por Eva Green en la segunda entrega, lo que nos permite disfrutar de la actriz completamente desnuda en prácticamente cada fotograma en el que aparece. Sin embargo si he de decantarme por un ícono de mujer dentro del universo de Sin City ese sería el de Lucille, aunque secundario, uno de los pocos personajes positivos de la trama. La bella Carla Gugino lograba transmitir una interesante dicotomía entre un rostro de belleza inocente frente a un cuerpo voluptuoso y pecaminoso, tal como se transmite en la secuencia en la que acoge en su casa a un Marv herido tras su encontronazo con la policía. Puro Sin City.


47. SIN CITY, A DAME TO KILL FOR

SIN CITY, A DAME TO KILL FOR,  2014
(SIN CITY, A DAME TO KILL FOR) 102´                     ROBERT RODRIGUEZ/
                                                                                          FRANK MILLER

La muerte es como la vida en Sin City.
Hartigan


Tardía continuación que retoma otro puñado de las historias de la novela gráfica de Frank Miller que no llega a los niveles de excelencia de la película de 2005 básicamente por dos motivos principales.

Por un lado si bien se radicaliza el formato visual que engloba el cómic en la película con la utilización del 3D y un mayor abuso de secuencias dibujadas sobre el fotograma, este estilo ya no logra el impacto en el espectador que logró en su primera aparición. Por otra parte las grandes historias de Sin City ya habían sido utilizadas en la primera entrega, con lo que a excepción de la adaptación de “Mataría por ella” que da título a esta secuela, el nivel de los relatos decae respecto a los de la película de 2005.

No obstante una muy disfrutable continuación para fans de Rodriguez y de la obra de Miller, ya que el director tejano es nuevamente fiel cien por cien al estilo del dibujante y guionista, o lo que es lo mismo, no escatima en violencia, sexo y sordidez.




ME GUSTA: ¿Decir Eva Green suena a evidente?

NO ME GUSTA: Se nota en el rostro de los actores el transcurso de los nueve años entre película y película, lo que rompe continuidad en el caso de disfrutar ambos títulos de manera consecutiva.

FRASE RESUMEN: Robert Rodríguez quería completar su proyecto, lo ha conseguido.


46. SIN CITY

SIN CITY,  2005
(SIN CITY) 119´                                  ROBERT RODRIGUEZ/FRANK MILLER

El viejo muere, la chica vive, me parece justo. Te quiero Nancy.
Hartigan


Una excelente adaptación del tebeo del mismo nombre  (en realidad de varias de las historias que lo conforman) tan fiel en el fondo como en la forma, de manera que tenemos la sensación de estar viendo una traslación literal de las viñetas creadas por Frank Miller, y eso con el añadido de la complejidad y originalidad visual de este comic de culto.

Una maravilla que no solo respira por cada fotograma la esencia del tebeo que la inspira, sino que se erige como una estupenda cinta de auténtico neo noir con un excelente grupo de actores perfectos en sus respectivos roles y una estructura narrativa muy bien resuelta por el director y plagada de complicados recursos cinematográficos como son el uso de la voz en off, los continuos flashbacks o un montaje de la película con el cruce de las diferentes historias en paralelo.

Robert Rodriguez, auténtico alma mater y artífice principal de llevar a buen puerto un proyecto ta ambicioso como complejo de inicio, muestra un reverencial respeto por el cómic de Miller y este cariño y mimo queda patente en una obra prácticamente redonda.




ME GUSTA: No vemos a los actores, sino a los protagonistas de las viñetas, o lo que es lo mismo, un trabajo de casting impecable.

NO ME GUSTA: El montaje adicional en DVD que presenta veinte minutos más de metraje y con las historias narradas cronológicamente y por separado, presentación que rompe toda la esencia de la película.

FRASE RESUMEN: Esto es lo que se dice trasladar un cómic a la pantalla grande, literalmente.


viernes, 23 de octubre de 2015

45. BALADA TRISTE DE TROMPETA

BALADA TRISTE DE TROMPETA,  2010
(BALADA TRISTE DE TROMPETA) 100´                         ALEX DE LA IGLESIA

"Si no puedo hacer reír, nadie me querrá jamás."
Javier


Es muy extraño lo que sucede con Balada triste de trompeta, ya que tras acabar el visionado de una obra narrativamente caótica, sin pies ni cabeza, con escenas sin sentido y en no pocos momentos rayando el absurdo y el surrealismo, no podemos sino acabar embelesados por la forma en que Alex de la Iglesia ha filmado y presentado la película.

Con un prólogo brutal rodado con un filtro que refleja lo terrible de la historia que se está narrando, toda la cinta goza de un estilo visual único, personalísimo y que confiere a la película una identidad especial y propia que logra hipnotizar de inicio con los geniales títulos de crédito y la manera en mostrar la elipsis temporal entre los años treinta y setenta a ese final vertiginoso en el Valle de los Caídos.

Una propuesta extraña, bizarra, que no en pocas ocasiones nos hace verla como onírica pero que gracias al talento del Alex de la Iglesia director, que no guionista, logra sorprender y cautivar.




ME GUSTA: Un grupo principal de actores con Antonio de la Torre a la cabeza cuyo estupendo trabajo hace que la idea de de la Iglesia no naufrague.

NO ME GUSTA: En algún momento la película se pasa de frenada en su afán por resultar esperpéntica.

FRASE RESUMEN: No dejará indiferente, y eso siempre es bueno.


miércoles, 21 de octubre de 2015

44. EL CLUB DE LA LUCHA

EL CLUB DE LA LUCHA,  1999
(FIGTH CLUB) 139´                                                                   DAVID FINCHER

"La primera regla del Club de la lucha es, nadie habla sobre el Club de la lucha."
Tyler Durde

                           
Una mezcla de géneros que pasan por la comedia, la acción, la intriga y el thriller que David Fincher maneja con sobrada solvencia amparándose para ello en una sobredosis de técnicas cinematográficas y de inapreciables pero necesarios efectos visuales que brindan que toda la locura y caos narrativo que posee la obra literaria de Chuck Palahniuk en la que se basa la cinta engranen perfectamente en una apuesta arriesgada que sin embargo sale bien.

Como espectador hay que dejarse llevar sin ambages por este tour de force de puro delirio visual que bajo una patina fotográfica de tonos ocres y apagados nos arrastra a una montaña rusa llena de matices y planos que cobran relevancia en sucesivos visionados, toda una experiencia cinematográfica que logra llevar a la extenuación al espectador.

David Fincher toma una base literaria compleja y difícil de adaptar para construir un título igualmente arriesgado que de alguna manera marcaría el estilo fílmico de un autor con una amplia capacidad técnica a la hora de presentar sus películas. El club de la lucha es uno de sus piedras angulares.




ME GUSTA: La impresionante presencia visual de la casona en la que viven los dos protagonistas.

NO ME GUSTA: Ver a Edward Norton ponerse en pie tras su necesaria y contundente decisión final.

FRASE RESUMEN: Prepárense para partirse la cara y perder algún diente por el camino.


domingo, 18 de octubre de 2015

43. LA ENTREVISTA

LA ENTREVISTA,  2014
(THE INTERVIEW) 112´                                EVAN GOLDBERG/SETH ROGEN

Tenemos cojones, nos odian por molones.
Dave Skylark


Amparada en la polémica que suscito en su día y que derivaría en el ciber ataque hacker a Sony, La entrevista se esfuerza a cada momento por ser políticamente incorrecta lo que provoca que finalmente acabe por resultar excesivamente artificiosa. Comedia gamberra que sin embargo acaba naufragando por su necesidad imperante de resultar subversiva a toda costa repartiendo golpes a diestro y siniestro aunque el objetivo de la mayoría de sus críticas vayan en la dirección opuesta, dejando poco espacio para la auto crítica.

La historia resulta entretenida como anécdota pero construir toda una cinta de casi dos hora de duración parece a todas luces estirar demasiado el chicle. Algo parecido sucede con el manejo del personaje de Kim Jong Un y es que su sobre explotación en pantalla convirtiéndolo en co protagonista resta empaque a su aparición en escena.

Chistes de tetas y pollas, alguna dosis de gore y un obsesivo afán por parte de los responsables de la película por resultar irreverentes a cada escena que sin embargo no logra cuajar más allá de ofrecer una comedia negra del  montón.




ME GUSTA: La aparición de Eminem y el gag que esta propicia.

NO ME GUSTA: James Franco lleva demasiado al extremo a su personaje acabando por resultar cargante.

FRASE RESUMEN: Se entiende el mosqueo de Corea del Norte con la cinta, aquello de ver la paja en ojo ajeno…


42. NIGHTCRAWLER

NIGTHCRAWLER,  2014
(NIGHTCRAWLER) 117´                                                                 DAN GILROY

Pase lo que pase, sigue filmando.
Louis


Una interesante radiografía de una sociedad que traspasa bajo el eufemismo del derecho a la información todas las barreras dentro del morbo audiovisual. De esta manera la opera prima de Dan Gilroy nos presenta a un personaje ciertamente deleznable, pero no menos ruin que aquellos que ansían hacerse con las imágenes captadas por este cámara de sucesos y que se basan en la explicitud y el morbo gratuito de lo filmado.

Un enjuto y demacrado Jake Gyllenhaal compone una interpretación para enmarcar, dando vida desde la propia concepción física del protagonista a un tipo amoral, egoísta, mentiroso y  con todo un compendio de características negativas que sin embargo se superan sin problema por la seguridad que manifiesta en todo momento el personaje, haciendo que finalmente alguien tan ruin logre caer bien.

Una película que retrata la ciudad de Los Ángeles bajo la luz de las farolas y que te mira a la cara para hacerte participe indirecto como consumidor final de los actos del protagonista.




ME GUSTA: La construcción de los momentos previos al tiroteo en la hamburguesería.

NO ME GUSTA: Se le va la mano con el metraje, lo que alarga innecesariamente algunas escenas.

FRASE RESUMEN: La otra cara de las noticias televisivas.


jueves, 15 de octubre de 2015

JENNIFER ANISTON



Decir Jennifer Aniston es decir Friends, la serie de televisión que durante diez años nos mostró las idas y venidas de este grupo de amigos entre los que la actriz daba vida a Rachel Green, pija superficial pero de buen corazón que marcó durante varias temporadas el estilo de corte capilar de toda una generación. Finalizada la tele serie que le diera la fama y poco después acabaría igualmente su matrimonio de ensueño con Brad Pitt, y todo por culpa de una película, Sr. Y Sra. Smith (2005) y una morena de labios carnosos llamada Angelina Jolie. No ya desde entonces, sino que paralelamente al rodaje de Friends  la intérprete pugnaba por hacerse un hueco en el universo cinematográfico volcando todo su potencial en la comedia romántica con títulos como Ella es única (1996), Novio de alquiler (1997), Mucho más que amigos (1998), Como Dios (2003), Una pareja de tres (2008), Exposados (2010), Sígueme el rollo (2011) o Somos los Miller (2013). Igualmente ha intentado copar registros más dramáticos con el papel de Justine Last en The good girl (2002).

Pero antes de toda esta sarta de títulos, una joven Jennifer Aniston con unas facciones algo menos afiladas (vamos con la nariz sin operar) fue protagonista de la primera entrega de una saga de cine de terror que a día de hoy va si mis cuentas no me fallan por la sexta entrega. Se trata de La noche del duende (1993), casi más conocida por su título original de Leprechaun, un título que tomaba la leyenda del simpático duende irlandés que todos relacionamos con la olla de oro y que no es más que un slasher del montón con este personaje haciendo las veces de psicokiller con saga propia.

Consolidada ya como una actriz rentable pero sin aura de estrella, Jennifer Aniston continua trabajando a buen ritmo pero sin encontrar un papel que la lleve más allá de ser para toda una generación la Rachel Green de Friends.

LEPRECHAUN (1993)

41. LA MILLA VERDE

LA MILLA VERDE,  1999
(THE GREEN MILE) 189´                                                     FRANK DARABONT

“Las mató con el amor que ellas se tenían.”
John Coffey


Un excelente cuento de hadas que como tal contiene momentos terroríficos, un escenario prácticamente único y un grupo de actores en estado de gracia fue todo lo que necesitó Frank Darabont para construir esta pequeña joya que a lo largo de más de tres horas nos muestra una lección de cómo rodar cine del bueno.

Película cocinada a fuego muy lento y que se sostiene en unos diálogos soberbios recitados de manera excelsa por unos intérpretes que logran contagiar a la platea el estupendo ambiente que se vivió durante el rodaje de la película. Todos y cada uno de los actores están soberbios con mención especial para el desaparecido Michael Clarke Duncan en el que sería el mejor papel de su carrera. No le tengan miedo a su duración, ya que la magia que desprende La milla verde hace que no pesen sus casi 190 minutos.

La milla verde contiene secuencias aterradoras, y no nos referimos únicamente al asesinato de las niñas o la muerte en la silla eléctrica de los reos, sino a momentos como aquel en el que el personaje al que da vida Tom Hanks es consciente que no puede hacer nada por John Coffey a pesar de conocer que es inocente. Darabont muestra un gran oficio a la hora de filmar estas escenas sin caer en la truculencia gratuita. Pero también nos ofrece momentos de sublime belleza en claro contrapunto, en resumen, brinda una pieza que todo amante del cine más sosegado ha de disfrutar.




ME GUSTA: Logra emocionar, asustar, encoger, te toca, atrapa y convence.

NO ME GUSTA: Aunque suene banal no he encontrado una caratula o poster de la película que esté a la altura del maravilloso contenido que encierra en su interior.

FRASE RESUMEN: Aroma a cine clásico del bueno.


lunes, 12 de octubre de 2015

40. A CIEGAS

A CIEGAS,  2008
(BLINDNESS) 116´                                                        FERNANDO MEIRELLES

“Lo único más terrorífico que la ceguera es ser el único que puede ver.”
Mujer del doctor


Inspirada en la obra literaria de José Saramago “Ensayo sobre la ceguera”, A ciegas supone ante todo un manifiesto sobre la deshumanización del ser humano apoyado en un hecho tan simbólico como terrible, una sobrevenida e inesperada ceguera de tipo pandémico.

Meirelles utiliza con cinismo calculado una fotografía pura, limpia e inmaculada que contrasta con la oscuridad total en que sumerge a sus protagonistas, todos ellos artífices de unas notables interpretaciones con Julianne Moore a la cabeza del grupo. El director maneja la historia con excelente pulso narrativo en todo lo referente al encierro de los damnificados en el hospital abandonado, es cuándo los protagonistas logran salir al exterior en el último acto cuándo la cinta pierde esa fuerza latente que Meirelles habría logrado capturar con anterioridad, brindando un final apagado y que desmonta de alguna manera todo lo postulado hasta ese momento.

Sobrecoge pensar que no hacen falta zombies ni cataclismos inesperados para provocar un apocalipsis como el que presenta A ciegas, basta con quitarnos las comodidades a las que estamos acostumbrados, basta con apagar la luz.




ME GUSTA: Disfrutar de unos actores a cara lavada.

NO ME GUSTA: Un final sin fuerza.

FRASE RESUMEN: Un perfecto exponente de la doble vertiente humana, la inmisericorde y la bondadosa.


39. SICKO

SICKO,  2007                  
(SICKO) 123´                                                                           MICHAEL MOORE

“La misma definición de un buen director médico es alguien que puede ahorrar a la compañía una gran cantidad de dinero. “
Michael Moore


Michael Moore vuelve a golpear en la linea de flotación de su propio país, Estados Unidos, mostrando las miserias de un sistema sanitario privatizado obsesionado con obtener pingues beneficios a costa de la salud de sus ciudadanos. El ácido cineasta continua utilizando el humor como base para agitar conciencias, siendo este un documental que partiendo de un simpático recorrido tanto por casos particulares (aunque en ocasiones dramáticos) como por sistemas sanitarios de países como Canada, Francia o Cuba, se obsesiona por sacar a relucir las miserias de compañías médicas y políticos cuya única finalidad es la de enriquecerse utilizando para ello el miedo de sus conciudadanos por enfermar.

Un documental en el que Moore vuelve a posicionarse abiertamente y que a pesar de un trasfondo cómico muestra momentos duros y emotivos a partes iguales. Una de esas cintas que provocan una incontrolable mala leche por parte del espectador al ser testigos de cómo somos utilizados por aquellos gobiernos que debieran protegernos.

No sorprenderá ni decepcionara a nadie, es Moore al cien por cien.




ME GUSTA: La capacidad narrativa de su director para enganchar al espectador en un género tan complicado como es el documental de manera que este escuche lo que quiere decirle.

NO ME GUSTA: Moore está demasiado posicionado, lo que resta credibilidad al mensaje.

FRASE RESUMEN: Muestra la otra cara del sueño americano.


jueves, 8 de octubre de 2015

TWO HEARTS



Amor a quemarropa se alimenta musicalmente de un conocido tema propio obra de Hans Zimmer además de por una selección de canciones que encajan como un guante en el estilo tan particular de la cinta de Tony Scott. Two hearts, balada compuesta y cantada por el músico Chris Isaak vestía de esta manera los títulos de crédito finales de la película. La canción y la voz de Isaak entonaban a la perfección con el estilo tan rockabilly que por momentos destilaba la película y en concreto con el amor del personaje de Clarence Worley por Elvis Presley. Un tema lento y romántico, con una letra que definía  a la perfección la historia de amor entre los dos protagonistas de la película, un verdadero “amor a quemarropa”.


El montaje de Guagliono 82 (https://www.youtube.com/channel/UC9ihOtCUgG4ghVa2ANoKqzQ) es un perfecto resumen de la trama de la película, eso sí, desaconsejable para quien no haya visto la cinta y no quiera ser spoileado.


38. AMOR A QUEMARROPA

AMOR A QUEMARROPA,  1993
(TRUE ROMANCE) 115´                                                                 TONY SCOTT

“Más vale tener un arma y no necesitarla que necesitarla y no tenerla.”
Clarence Worley


Amor a quemarropa supone una estupenda simbiosis del trabajo entre Quentin Tarantino y Tony Scott, aportando el primero su innegable capacidad como guionista para crear diálogos geniales, personajes de primera y un manejo de la historia vibrante, mientras que el segundo en su faceta como director nos brinda su reconocible sello visual, una fotografía videoclipera y unas secuencias de acción excelentes.

De esta manera y partiendo de una historia mil veces vista antes, la película sobresale por encima de la media  gracias a que los dos grandes nombres a los que hacía referencia respetan la parcela de su compañero de viaje, siendo patente el estilo Tarantiniano en la historia sin renegar por ello Scott de su propia marca de la casa.

El reparto de campanillas es todo un mar de actores de primera fila en papeles protagonistas, secundarios o episódicos y no podemos dejar de hablar de la bella melodía principal compuesta por Hans Zimmer y rápidamente identificable por el público, amén de una gozosa selección musical.

Una historia de amor y violencia a partes iguales, una historia a caballo entre el Detroit más deprimente y Los Ángeles más colorista.




ME GUSTA: ¿Acaso hay alguien que vea Amor a quemarropa y no acabe enamorado de Alabama?

NO ME GUSTA: Hubiera preferido un final más trágico, algo más acorde con el estilo de la cinta.

FRASE RESUMEN: Tony Scott logra una de sus grandes obras gracias a Tarantino.


lunes, 5 de octubre de 2015

37. KEN PARK

KEN PARK,  2002
(KEN PARK) 93´                                        LARRY CLARK/EDWARD LACHMAN

“Maté a mi abuelo por hacer trampas y a mi abuela por mala puta.”
Tate


Ken Park da la vuelta al calcetín de la sociedad norteamericana, centrándose en las tormentosas relaciones entre padres e hijos y la sexualidad en la adolescencia, mostrándonos esa cara B que raramente enseña el cine, demasiado ocupado en destacar modélicos barrios residenciales de clase media-alta donde viven familias de tipologia perfecta.

La película se alimenta de actores amateurs  para los roles de los jóvenes protagonistas, logrando de esta manera conferir una notable dosis de realidad y verdad a la cinta, haciendo que los apuntes de historias deprimentes e incluso enfermizas que muestra la cinta te atrapen por la solapa de la camisa llegando a dejar al espectador en determinados momentos fuera de juego.

Una película dura y no apta para todo tipo de publico pero en cierta medida necesaria, ya que muestra esa parte de la sociedad que pocas veces ha sido llevada a la pantalla de manera tan directa y visceral. 




ME GUSTA: La naturalidad de los jóvenes protagonistas.

NO ME GUSTA: Hay determinados momentos en los que quizás se abuse de lo explicito en las escenas.

FRASE RESUMEN: Cine filmado desde las tripas y con afán evidentemente provocador.